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Por Juan Pablo Proal-
@juanpabloproal Periodista, escritor. Publica en @revistaproceso. Autor de los libros Voy a morir, la biografía de José Cruz (Lectorum) y Vivir en el cuerpo equivocado (UANL)
Compre un sueño a meses sin intereses*
Por Juan Pablo Proal-
Será que el resplandor de nuestros héroes se origina en la fantasía
de una vida paralela? ¿Usamos su biografía para encajarla en nuestras
necedades? ¿Dependemos de ellos para orientar este sinsentido?
“¡Mama!, fíjate en mi boca, en mis modales / ¿Soy el que soñaste o un
borracho más en las ciudades? / Besa mis heridas, dame de beber mamá /
¡Mama!, no me des más agua con sal”. Versos para quienes pulverizaron
los valores moralistas, no embonan en las sobremesas de buenas
costumbres y son huérfanos de matrimonios perfectos. Quienes los
elevaron al rango de Palabra Divina quieren saber más de su profeta. ¿Su
nacimiento fue virginal?, ¿Ordenó erigirle un templo?, ¿Cómo debemos
actuar sus seguidores?
La plaga de hispters devoró la biografía de Steve Jobs con la ilusión
de encontrar la nueva señal divina. Los héroes de la era individualista
son los más aptos para hacerse famosos en el menor tiempo. Triunfó
quien acampó unos segundos en la etérea memoria de la diaria coyuntura.
Los demás, escoria. Anónimos humeantes de fracaso.
Respetamos sólo a quien viste smoking y carga una figura de oro en
las manos. Ante la falta de credibilidad de los mesías, sacerdotes y
lectores de noticias, husmeamos en nuestros ídolos de carne para
encontrar las nuevas directrices. Pero el sueño predominante de las
figuras públicas en turno es uno, invariable: enceguecer y ensordecer a
los demás con lingotes de fama: No hay otro héroe posible, ni más
caminos.
Este país, desmoralizado de bandas presidenciales ganadas a punta de
guapura, se empeña en exiliar al ostracismo a quienes emanan un brillo
diferente. Mejor dicho, a quienes brillan por cuenta propia. Los
ningunea, ignora y menosprecia. Los entierra en el panteón de los
olvidos. No sólo malbarata su patrimonio natural, se avergüenza del
humano.
Pasamos por alto que sólo somos por el otro, que nuestro actuar es un
infinito de repeticiones del pasado colectivo. Jorge Luis Borges remata
así su poema Cambridge: “Somos nuestra memoria, somos ese quimérico
museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos”.
Memoria viene del latín memor, que significa: “el que recuerda”.
Recordar, de recordari, re (de nuevo) y cordis (corazón): “volver a
pasar por el corazón”. Escribí la biografía de José Cruz, el fundador de
Real de Catorce, el grupo de blues más importante de México, con la
intención de que las letras impresas resguarden por siempre en nuestro
pecho la vida de uno de los profetas que inspiró sueños auténticos en un
mundo anestesiado de desilusión.
¿Es que nadie, excepto los hombres de poder o las estrellas en turno,
merece nuestra atención? En el Arte de Amar, Erich Fromm advierte: “En
el amor individual no se encuentra satisfacción sin verdadera humildad,
coraje, fe y disciplina; en una cultura en la que esas cualidades son
raras, la conquista de la capacidad de amar será necesariamente un
logro”. La cultura predominante repele la virtud, sobaja a los
samaritanos.
José Cruz merecía una biografía. Vivió como quiso, a pesar de los
rígidos valores de su época. Las disqueras, los mánagers, los dueños del
presupuesto cultural, la esclerosis múltiple, el hambre y la miseria
humana no le impidieron materializar y deleitarse con su sueño: escribir
blues en español. Real de Catorce, el grupo que fundó, no fue una banda
más de moda. De hecho, nunca la alcanzó. No tuvo videos en Telehit ni
ganó un Grammy Latino; llegó más lejos: cultivó una colección de
seguidores que hicieron de la poesía de Cruz un estilo de vida.
Logró que versos sensatos bailotearan al ritmo de blues en miles de
corazones. Alimentó muchas generaciones con poesía transgresora. Y eso,
casi nadie lo logra. Menos en un país desentendido de letras.
Cuando veía el documental “El Miedo y la Furia”, sobre la banda de
punk británico The Sex Pistols, pensé en cómo los ingleses ha preservado
al rock. ¿Cuántos documentales, libros, museos o estatuas tienen sus
músicos? En cambio, en México sus mayores genios fenecen cuando parte su
último fan. Ni los más grandes se salvan. Cuando mucho, alguno logra
una aparición de media hora en un programa de espectáculos sabatino.
Como fan y periodista, no podía dejar pasar la biografía de José
Cruz. Siempre sentí que era, de alguna forma, mi responsabilidad. Más
tomando en cuenta que José y yo no somos uno simples conocidos, sino que
hemos compartido muchos, muchos días que nos llevaron a la amistad
inevitable.
En un país donde los medios no son más que otro brazo del poder, son
heroicas las hazañas de los periodistas que se arriesgan a seguir
desnudando al tirano, solidarizándose con el hambriento y exhibiendo el
exterminio humano que ejerce la clase política contra sus
contribuyentes. Sólo que, también, el periodismo mexicano tiene muchas
deudas con su sociedad. No ha retratado a todos sus personajes y
componentes, como tampoco ha contado historias que necesariamente deben
ser preservadas.
Bruce Springsteen, educado en una familia y escuela de católicos
radicales, contó en una entrevista: “El rock llegó a mí cuando parecía
que no había escapatoria posible y abrió ante mí un mundo de
posibilidades”. Estoy seguro de que José Cruz fue, para muchos, la
salvación de caer en la fábrica de sueños del libre mercado. Antihéroe
de su época y detonador de necesarias transgresiones.
El libro Voy a morir, la biografía de José Cruz, fundador de Real de
Catorce, quiere dejar constancia de que hubo mexicanos que no depredaron
a sus semejantes, ni murieron como camaleones de su era, o sólo merecen
ser recordados por romper el récord en número de asesinatos contra sus
connacionales. De que hay muchos más que se negaron a sepultar sus
sueños y morirse de indiferencia.
*Texto leído durante la presentación del libro Voy a morir, la biografía de José Cruz, fundador de Real de Catorce.
Groovy
Música
Notas
Puebla
Publicado en El Popular
Ricardo VOLTA
Iván García habla un poco del nombre de la banda: “Mi nombre Iván
García es un demiurgo maldito que señala el fondo de las almas que
deambulan buscando el color y que solo encuentran la miseria del sueño
malbaratado en comerciales televisivos, mientras que Los Yonkis es el
grupo que se me unió”.
Los Yonkis: Buscan espacios donde tocar su música
Los Yonkis en el Festival Internacional 5 de Mayo-Puebla 2013, Zócalo de Puebla. Foto: Alejandro Carrillo
Publicado en El Popular
Ricardo VOLTA
Crean sus propias canciones retomando el sonido de los años 80 con letras introspectivas y existenciales
Iván
García y los Yonkis, es una banda poblana de postpunk y new wave
formada en 2009. La agrupación se conforma por Iván García en la voz,
Carlos Iván Carrillo en guitarras y sintetizadores, Julio Lino en el
bajo y Jesús Soriano en la batería.
Iván García habla un poco del nombre de la banda: “Mi nombre Iván
García es un demiurgo maldito que señala el fondo de las almas que
deambulan buscando el color y que solo encuentran la miseria del sueño
malbaratado en comerciales televisivos, mientras que Los Yonkis es el
grupo que se me unió”.
Sobre su estilo musical ellos dicen: “Intentamos retomar los sonidos
del new wave y el postpunk que aportaron los músicos de los años 80,
sumándole toques contemporáneos. Un sonido sombrío y oscuro con letras
influenciadas por autores como Edgar Allan Poe o Arthur Rimbaud. Cada
línea, cada acorde, es una detonación que nos hace recordar cuál es el
armado del ser humano: despojo, soledad y crueldad” y agregan: “Hacemos
canciones y letras desde un lado lúgubre y existencialista. Esta onda de
algunas de nuestras canciones depresivas tienen que ver más con una
estética de una tendencia literaria y una tendencia musical que en algún
momento de nuestra formación nos impactó y adoptamos como nuestra”.
Apertura en Puebla
Al hablar de la escena musical en Puebla y cómo sienten la apertura
de la gente a su estilo musical, Iván comenta: “Creemos que en Puebla
existe una escena musical bastante grande, particularmente con los
subgéneros del rock, hay para todos: sin embargo, la mayoría de las
bandas tratan de imitar casi en su totalidad a aquellas que están de
moda y no se arriesgan a buscar un sonido propio y moderno. Como decía
Richard Kirk de la banda Cabaret Voltaire ‘rock’n roll no es solamente
vomitar riffs de Chuck Berry’.
“Afortunadamente hemos encontrado público interesado en nuestra
propuesta musical gracias al trabajo de años de estar tocando, de
auto-promoción y todo eso; pero también hoy en día el publico te
encuentra a ti gracias a las facilidades que nos otorgan las redes
sociales, el internet y demás.
Producción musical
Actualmente la banda está terminando el periodo de promoción de su disco En vivo (Acústico) que grabaron en diciembre de 2013 en un foro cultural de San Pedro Cholula, donde se despidieron de su anterior disco llamado Espantapájaros,
el cual ellos comentan: “Tuvo una gran aceptación y además nos abrió
paso en la escena musical de este nuestro estado y otros lugares de la
República Mexicana. En este último disco acústico encuentras en su
mayoría temas nuevos y otros de nuestro disco anterior pero arreglados
para ser tocados en ausencia de guitarras eléctrica y batería. Además, a
pesar de sus tintes acústicos cuenta con un fuerte toque de rock y
oscuridad”.
Hasta el momento todos sus materiales discográficos los han hecho de
forma independiente: “En nuestro caso, ha sido difícil, una lucha
constante y mucho esfuerzo; al empezar una banda independiente debes
tener claro que será un gran sacrificio y trabajo. Afortunadamente
siempre hemos tenido claro que es un constante esfuerzo propio y una
onda de autogestión. Buscar espacios, oportunidades, entrevistas, formas
de grabar y distribuirte; formas que al final, no son nuevas, todo se
empezó a hacer de manera independiente desde la onda setentera del punk y
de ahí hay que aprenderle”.
Proyecto
“En no más de tres meses estaremos presentando un nuevo material con
canciones que hemos preparado desde el inicio de la banda, son rolas
prometedoras y un disco en el que dejamos todo nuestro esfuerzo y
cariño. Ya sabrán más de él. A largo plazo, claro que es seguir
trabajando en nuestro proyecto y nuestras canciones, creemos que tienen
lo necesario para abrirse camino en la escena nacional de la música”,
concluyen.
Artículos
Colaboradores
Música
Opinión
MÉXICO, D.F. (apro).- El canto de los jóvenes mexicanos está nublado de evasión. A pesar de que el sistema le cerró las puertas en su cara, una parte representativa de esta generación esquiva su realidad con versos dedicados a la vía láctea.
Apenas en 1997 las disqueras, espantadas, censuraron al grupo Molotov por mofarse del rostro de los noticieros de Televisa, Jacobo Zabludovsky, con su canción “Que no te Haga Bobo Jacobo”. Hoy, quince años después, con un país convertido en un cementerio a la intemperie, los grupos de rock reflejan una nación de cuentos de hadas.
Hablo de la generación Zoé, que gasta su quincena de contestador de teléfonos en un boleto del Vive Latino. La que pasó más de cinco años en la universidad y ahora está deprimida en el subempleo. En vez de alzar su voz, de repudiar su situación, se regodean de su indiferencia.
Los grupos de rock mexicanos que predominan en la estación Reactor, perteneciente al Instituto Mexicano de la Radio (operado por el gobierno federal) son prácticamente los mismos que difunde Ocesa, promotora del Vive Latino. Basta escuchar un par de horas su programación para enterarse que a estas bandas no les interesa su país.
Veamos la letra de la canción “Bomba de tiempo”, de Los Concorde: “No habrá final feliz, ni palabras de aliento, lo importante es disfrutar cada momento”. O “Memorama”, de Alison: “Triste es de pronto ver tu MySpace y ver que ya no estoy en tu top y ver que están las fotos que también yo tomé” .
O qué tal “Cualquier forma de amor”, de Los Claxons: “Y llegaste tu, y has inundado
mi alma de tranquilidad, ya no aguanto tantas ganas de llorar de la felicidad”.
No son diferentes las letras del resto de los grupos de moda.
Las bandas de rock mexicanas no han sido siempre así. En 1978, un amplio colectivo conformó la Liga Independiente de Músicos y Artistas Revolucionarios (LIMAR). Algunos de sus integrantes eran José Cruz Camargo (fundador de Real de Catorce), Los Nakos, León Chávez Texeiro, Guillermo Briseño y Rafael Catana. La mayoría era militante del Partido Comunista Mexicano.
Años atrás, Alejandro Lora había ganado popularidad, en gran parte, por el contenido de sus letras: “Y las tocadas de rock, ya nos las quieren quitar, ya sólo va a poder tocar, el hijo de Díaz Ordaz”.
A principios de los ochenta, una nueva camada de músicos politizados se conformó en el Foro Tlalpan, sitio fundado por el cineasta Sergio García. Ahí comenzó Rockdrigo González, el poeta urbano de la ciudad de México. También Jaime López, rudo crítico de todo lo establecido. Y Real de Catorce, con los poemas crudos de José Cruz.
Por su extensión, este artículo no puede hablar a detalle de las fechas emblemáticas del rock nacional, pero a mediados y finales de los ochenta surgieron más grupos que hablaban del entorno social. La Maldita Vecindad, Botellita de Jerez, Santa Sabina y La Castañeda, son algunas de ellas. Los noventa no estuvieron exentos de grupos críticos: Café Tacuva, Molotov y Control Machete, por citar los más representativos.
Cada uno de estas bandas confrontó al sistema y retrató los abusos de su época. Algunos incluso sufrieron persecución y censura por parte de disqueras y la televisión pública.
El filósofo alemán Herbert Marcuse observaba que la generación de los sesenta estaba tan politizada, en gran parte, porque sus líderes, los músicos, eran personas informadas y activas. Los seguidores de las bandas mencionadas no sólo las admiraban por sus melodías, sino porque sentían su realidad reflejada en sus letras.
De regreso a este 2012, año electoral, si escuchamos a los grupos de rock podemos también entender la indiferencia de gran parte de esta generación. No hablan de la guerra contra el narcotráfico, del desempleo, de la exclusión, del estado militarizado ni de las muertas de Juárez. En cambio, prevalecen canciones sobre amores y desamores. Si bien existen bandas independientes que aún están interesadas en la injusticia, la oferta comercial es abrumadoramente más poderosa.
En los pasados comicios federales de 2009, el 65.6 por ciento de los jóvenes de entre 25 a 29 años no votó, tampoco el 64.6 de los que tienen de 20 a 24 años.
Un reciente estudio del Departamento de Sociología de la UAM Iztapalapa concluyó que el 75 por ciento de los jóvenes mexicanos no votará en las próximas elecciones federales. Las razones que argumentan: desaliento y exclusión.
Decía Albert Camus que “el artista debe estar siempre con aquellos que padecen la historia, no con los que la hacen”; justo los grupos de rock deberían aportar su capacidad de mover masas para eliminar este silencio generacional tan cómodo para quienes lucran con el país.
La generación Zoé
Por Juan Pablo Proal-
“La indiferencia es el apoyo silencioso a favor de la injusticia”: Jorge González Moore
MÉXICO, D.F. (apro).- El canto de los jóvenes mexicanos está nublado de evasión. A pesar de que el sistema le cerró las puertas en su cara, una parte representativa de esta generación esquiva su realidad con versos dedicados a la vía láctea.
Apenas en 1997 las disqueras, espantadas, censuraron al grupo Molotov por mofarse del rostro de los noticieros de Televisa, Jacobo Zabludovsky, con su canción “Que no te Haga Bobo Jacobo”. Hoy, quince años después, con un país convertido en un cementerio a la intemperie, los grupos de rock reflejan una nación de cuentos de hadas.
Hablo de la generación Zoé, que gasta su quincena de contestador de teléfonos en un boleto del Vive Latino. La que pasó más de cinco años en la universidad y ahora está deprimida en el subempleo. En vez de alzar su voz, de repudiar su situación, se regodean de su indiferencia.
Los grupos de rock mexicanos que predominan en la estación Reactor, perteneciente al Instituto Mexicano de la Radio (operado por el gobierno federal) son prácticamente los mismos que difunde Ocesa, promotora del Vive Latino. Basta escuchar un par de horas su programación para enterarse que a estas bandas no les interesa su país.
Veamos la letra de la canción “Bomba de tiempo”, de Los Concorde: “No habrá final feliz, ni palabras de aliento, lo importante es disfrutar cada momento”. O “Memorama”, de Alison: “Triste es de pronto ver tu MySpace y ver que ya no estoy en tu top y ver que están las fotos que también yo tomé” .
O qué tal “Cualquier forma de amor”, de Los Claxons: “Y llegaste tu, y has inundado
mi alma de tranquilidad, ya no aguanto tantas ganas de llorar de la felicidad”.
No son diferentes las letras del resto de los grupos de moda.
Las bandas de rock mexicanas no han sido siempre así. En 1978, un amplio colectivo conformó la Liga Independiente de Músicos y Artistas Revolucionarios (LIMAR). Algunos de sus integrantes eran José Cruz Camargo (fundador de Real de Catorce), Los Nakos, León Chávez Texeiro, Guillermo Briseño y Rafael Catana. La mayoría era militante del Partido Comunista Mexicano.
Años atrás, Alejandro Lora había ganado popularidad, en gran parte, por el contenido de sus letras: “Y las tocadas de rock, ya nos las quieren quitar, ya sólo va a poder tocar, el hijo de Díaz Ordaz”.
A principios de los ochenta, una nueva camada de músicos politizados se conformó en el Foro Tlalpan, sitio fundado por el cineasta Sergio García. Ahí comenzó Rockdrigo González, el poeta urbano de la ciudad de México. También Jaime López, rudo crítico de todo lo establecido. Y Real de Catorce, con los poemas crudos de José Cruz.
Por su extensión, este artículo no puede hablar a detalle de las fechas emblemáticas del rock nacional, pero a mediados y finales de los ochenta surgieron más grupos que hablaban del entorno social. La Maldita Vecindad, Botellita de Jerez, Santa Sabina y La Castañeda, son algunas de ellas. Los noventa no estuvieron exentos de grupos críticos: Café Tacuva, Molotov y Control Machete, por citar los más representativos.
Cada uno de estas bandas confrontó al sistema y retrató los abusos de su época. Algunos incluso sufrieron persecución y censura por parte de disqueras y la televisión pública.
El filósofo alemán Herbert Marcuse observaba que la generación de los sesenta estaba tan politizada, en gran parte, porque sus líderes, los músicos, eran personas informadas y activas. Los seguidores de las bandas mencionadas no sólo las admiraban por sus melodías, sino porque sentían su realidad reflejada en sus letras.
De regreso a este 2012, año electoral, si escuchamos a los grupos de rock podemos también entender la indiferencia de gran parte de esta generación. No hablan de la guerra contra el narcotráfico, del desempleo, de la exclusión, del estado militarizado ni de las muertas de Juárez. En cambio, prevalecen canciones sobre amores y desamores. Si bien existen bandas independientes que aún están interesadas en la injusticia, la oferta comercial es abrumadoramente más poderosa.
En los pasados comicios federales de 2009, el 65.6 por ciento de los jóvenes de entre 25 a 29 años no votó, tampoco el 64.6 de los que tienen de 20 a 24 años.
Un reciente estudio del Departamento de Sociología de la UAM Iztapalapa concluyó que el 75 por ciento de los jóvenes mexicanos no votará en las próximas elecciones federales. Las razones que argumentan: desaliento y exclusión.
Decía Albert Camus que “el artista debe estar siempre con aquellos que padecen la historia, no con los que la hacen”; justo los grupos de rock deberían aportar su capacidad de mover masas para eliminar este silencio generacional tan cómodo para quienes lucran con el país.
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Revista Sputnik agradece a Juan Pablo Proal su colaboración para la reproducción de este artículo. Pueden encontrar más sobre la obra del autor en www.juanpabloproal.com
@juanpabloproal Periodista, escritor. Publica en @revistaproceso. Autor de los libros Voy a morir, la biografía de José Cruz (Lectorum) y Vivir en el cuerpo equivocado (UANL).
Cine
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Literatura
Música
Notas
'Rupestre, El Libro' para llevar.
Por Alex Warro-
A la muerte del 'Rockdrigo', carnales como Roberto Ponce, Rafael Catana, Roberto González, Nina Galindo, Fausto Arrellín, Armando Rosas, El Haragán -a mi parecer un tanto alejado de la idea rupestre-, Armando Palomas, Gerardo Enciso, Arturo Meza -entre muchos otros- crearon conceptos musicales con un discurso alternativo al establecido por los massmedia de la época. Con el paso de los años la música de estos genios rolaba de toquín en toquín, de mano en mano y de boca en boca; hasta convertirse en lo que son hoy en día, músicos prácticamente de culto.
Ya pasó un año desde que se presentó el libro 'Rupestre, El libro'; un trabajo pocamadre que desgaja entrevistas, vivencias y memorias de algunos de los exponentes más importantes del llamado Movimiento Rupestre -ese eslavón perdido entre el rock urbano y la trova-, que continuó con el legado y la filosofía del Profeta del Nopal: Rockdrigo González.
A la muerte del 'Rockdrigo', carnales como Roberto Ponce, Rafael Catana, Roberto González, Nina Galindo, Fausto Arrellín, Armando Rosas, El Haragán -a mi parecer un tanto alejado de la idea rupestre-, Armando Palomas, Gerardo Enciso, Arturo Meza -entre muchos otros- crearon conceptos musicales con un discurso alternativo al establecido por los massmedia de la época. Con el paso de los años la música de estos genios rolaba de toquín en toquín, de mano en mano y de boca en boca; hasta convertirse en lo que son hoy en día, músicos prácticamente de culto.
Respecto a 'los rupestres', Jorge Pantoja, promotor del libro e impulsor de la cultura en nuestro país, comenta:
“El
movimiento que surgió a mediados de los ochenta en la Ciudad de México y
a través de la música, la literatura y todo arte posible, produjo una especie de oxígeno puro para que tantos otros pudieran
respirar en medio de tanta contaminación. En la actualidad muchos
jóvenes ni siquiera saben lo más elemental de que existió ese movimiento
y lo que significó. Otros están en la creencia de que los
integrantes del movimiento rupestre se extinguieron cual dinosaurios del
cenozoico, y que al igual que estos sólo dejaron plasmadas sus huellas
en petrificados casetes del sedimento de la prehistoria musical, sin
saber que ha sobrevivido a la hecatombe de la comercialización una
legión de fieles seguidores que los acompañan a los recónditos bares
donde se presentan."
Lo cierto es que el Movimiento Rupestre está vivo, ¡vivo! Los rupestres siguen sonando por ahí en el inframundo de este país inmundo junto a jóvenes propuestas como La Trola o Los Yonkis, quienes nos recuerdan que aún hay mucha tela de dónde cortar, mucho cotorreo y muchos carnales con quien brindar. Larga vida a todos ellos.
A propósito del libro, también surgió 'Rupestre, El Cancionero' y hace un par de meses se pre-estreno 'Rupestre, el Documental' en la Cineteca Nacional, y algunos otros foros solidarios con la causa. Seguramente pronto lo veremos en el cine, pero mientras tanto no dejen de leer el libro y si pueden rólenlo a sus cuates. Que role la rola ya que este material es un gran esfuerzo de la comunidad rupestre, y debe llegar a todos lados. Les dejamos los links de descarga de los librillos y una probadita del documental.
PD.No dejen de escuchar a 'los rupestres', búsquelos en bares y cantinas de confianza.
Groovy
Música
Notas
Cartel y precios del Corona Capital 2014
La quinta edición del Corona Capital ya tiene fecha de realización, y entre los primeros exponentes confirmados destacan Kings of Leon, Jack White, Massive Attack, Beck, Damon Albarn y Foster the People.
El encuentro musical de este año tendrá lugar en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez los días 11 y 12 de octubre. El anuncio y revelación del cartel fue hecho ayer por la tarde por los organizadores a través de la página oficial del festival.
También se presentarán Zedd, MGMT, Kasabian, The Kooks, Belle & Sebastian, The Horrors, Haim, SBTRKT, Little Dragon, Lykke Li, St. Vincent, Chvrches, Metronomy, Best Coast, Conor Oberst, Jenny Lewis y Charming Liars, entre otros.
Groovy
Música
Notas
Recientemente fue presentado el line-up oficial del Pa'l Norte Rock Festival en su edición 2014 que se llevará a cabo los días 31 de octubre y 1 de noviembre en el Parque Fundidora de Monterrey. En sus anteriores ediciones, el festival ha mostrado una oferta musical muy variada y para la mayoría de los gustos, abarcando los géneros y estilos más cercanos al rock con bandas y representantes nacionales e internacionales
Este año no será la excepción, ya que podremos ver y escuchar a clásicos en español que van desde Andrés Calamaro y Enrique Bunbury; pasando por La Ley, Jumbo, Plastilina Mosh, Ely Guerra, hasta llegar a Zoé, Kinky y Juanes (?). Para las morritas no podían faltar bandas como DLD, Allison y Enjambre; y el talento internacional estará a cargo de Foster the People, AFI Snopp Dogg, entre otros. Como ya es costumbre en este tipo de festivales, Los Tigres del Norte no podían faltar como invitados especiales y no descarten que también inviten a los Ángeles Azules, ya que hay otro par de bandas que, aunque no han sido anunciadas oficialmente, conformarán la alineación final del festival norteño.
Sin duda el Pa'l Norte Rock Festival promete ser un gran fiestón y siempre serán bienvenidos los intentos de llevar el rocanrol más allá del centro y la capital del país. Si pueden cáiganle y allá nos vemos. Acá les dejamos los precios, el cartel y el line-up animado por el genial Trino. Chida la banda.
Los boletos ya están disponibles a través del sistema Ticketmaster.
Fase 1 hasta agotar existencias
¡Vámonos Pa'l Norte Rock Festival 2014!
Recientemente fue presentado el line-up oficial del Pa'l Norte Rock Festival en su edición 2014 que se llevará a cabo los días 31 de octubre y 1 de noviembre en el Parque Fundidora de Monterrey. En sus anteriores ediciones, el festival ha mostrado una oferta musical muy variada y para la mayoría de los gustos, abarcando los géneros y estilos más cercanos al rock con bandas y representantes nacionales e internacionales
Este año no será la excepción, ya que podremos ver y escuchar a clásicos en español que van desde Andrés Calamaro y Enrique Bunbury; pasando por La Ley, Jumbo, Plastilina Mosh, Ely Guerra, hasta llegar a Zoé, Kinky y Juanes (?). Para las morritas no podían faltar bandas como DLD, Allison y Enjambre; y el talento internacional estará a cargo de Foster the People, AFI Snopp Dogg, entre otros. Como ya es costumbre en este tipo de festivales, Los Tigres del Norte no podían faltar como invitados especiales y no descarten que también inviten a los Ángeles Azules, ya que hay otro par de bandas que, aunque no han sido anunciadas oficialmente, conformarán la alineación final del festival norteño.
Sin duda el Pa'l Norte Rock Festival promete ser un gran fiestón y siempre serán bienvenidos los intentos de llevar el rocanrol más allá del centro y la capital del país. Si pueden cáiganle y allá nos vemos. Acá les dejamos los precios, el cartel y el line-up animado por el genial Trino. Chida la banda.
Los boletos ya están disponibles a través del sistema Ticketmaster.
Fase 1 hasta agotar existencias
- Individual: General $595 VIP $1,145
- Abono (los dos días): General $1,090 VIP $2,190
Colaboradores
Música
No me gustan Los Tigres…
Por Shaggy
Es extraño
que en un festival como el Vive ya sea tan descarado el ‘chile, de mole y de
manteca’. Lo cierto es que –de momento- en México no hay –ni habrá por un buen
rato- algún exponente musical de talla internacional. Sí, hay bandas independientes
y alternativas con propuestas interesantes, pero tristemente no cumplen con los
‘estándares’ de las disqueras para comercializar su música. Es deprimente que
en eventos como el Vive, los organizadores se valgan de bandas que ni siquiera
son ‘latinas’; llámese Blur, Placebo, o cualquier otra que les haga el favor de
jalar gente y llenar el Foro Sol año con año. Sí claro, hablamos de sonidos
probados que arrastran a las masotototas y
venden boletos de a madres, pero directa o indirectamente ocupan el lugar que
las bandas mexicanas desgraciadamente no han sabido ganar en este tipo de festivales
organizado por monopolios musicales.
Me sigue
pareciendo de los más bizarro ver a ‘conjuntos musicales’ como los Ángeles
Azules o a los chingados Tigres del Norte, en un lugar y tiempo al que no
pertenecen. Tal vez para ellos sea una manera de mantenerse vigentes y de llegar a las nuevas generaciones que
desafortunadamente son de lo más influenciables al carecer de cualquier tipo de
identidad o ‘personalidad musical’. La inmediatez de la información en la que
ahora estamos inmersos propicia que consumamos una gran cantidad de material
musical, pero muchas veces sin tomar en cuenta el fondo del mismo. Recuerdo que
cuando éramos escuincles y andábamos con la comezón de alguna banda o grupo,
juntábamos lana y corríamos a comprar el disco; nos lo chingábamos enterito y
generábamos algún tipo de conciencia musical. Hoy ni madres, todo es
luego-luego. Uno ya no sabe ni qué toca una banda o cuál es su discurso,
pero ahí vamos en chinga a YouTube, a iTunes.
Unos dirán
que es benéfico y plural, pero no olvidemos que al sistema le conviene tenernos
sin identidad de ningún tipo. Es triste ver a las banditas ‘nuevas’ refritear
los éxitos de Daniela Romo, Flans o Miguel Bosé, en lugar de estar escribiendo
sus propias rolas y explorando otras tendencias. No se arriesgan a seguir su
instinto y por ende, no tenemos una banda representativa capaz de llenar un
estadio. Nos limitamos a llenar palenques y teatros del pueblo y eso con
veinticinco pendejos vestidos de la misma forma, tocando trombones y trompetas.
Sí, no me
gustan ‘Los Tigres’, ni nada por el estilo; entre eso, la celebración del Día
del Taco y cualquier pendejada inventada por los medios, nuestra cultura como
los pinches cangrejos; para atrás, para atrás y en la mediocridad eterna.
Pero bueno,
dicen por ahí que ser naco es chido ¿no?
Música
Notas
Publicado en El País-
Por Jesús Ruiz Mantilla-
Leyenda con coleta. Precursor de la guitarra de dos mástiles, músico oscuro y esquivo, dado en su día a las drogas y al oscurantismo, marcado por la tragedia, pero responsable ante las consecuencias de su legado artístico, Jimmy Page no solo es uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, es hoy un artista reivindicativo y minucioso, perfeccionista y nada complaciente con lo que vaya a quedar de él y los suyos para la historia. Quienes prefieren creer que el rock es un arte más dado a los caprichos del destino que a la planificación meticulosa, encontrarán en Page a todo un campeón en destrozar lugares comunes. A sus 70 años, confiesa que cuando formó Led Zeppelin, el grupo que inventó el hard rock rociado de psicodelia y mostró el camino del heavy metal, lo tenía muy claro. Que no fue una improvisación, sino un proyecto meditado tras sus pasos como becario del estrellato mundial en un estudio de grabación como instrumentista de apoyo a su integración en The Yardbirds, con quien dejó su estela en la misma formación por la que también pasaron Eric Clapton y Jeff Beck. Pero su grupo debía liderar un avance más allá: hacia terrenos en los que la exploración del sonido junto a los jardines de delicias prohibidas se unían en un ámbito de culto.Conectaron con un aire de libertad desconocido, abrieron sentidos y cerraron su coto dando paso a leyendas de todo tipo: desde abusos a menores hasta palizas a granel por sus guardaespaldas; de excesos como el que llevó a la muerte a su batería, John Bonham, ahogado en su propio vómito tras una monumental borrachera, por otra parte nada poco habitual en él. Hoy Page, abuelo, exadicto, un tipo sobre el que han corrido todo tipo de leyendas turbias y que se ha colgado los laureles del éxito y la calidad de referencia, se siente especialmente responsable de un legado artístico que acaba de recopilar, con novedades en directo y remasterización de sus tres primeros discos. Espera que le sirva y dé un nuevo impulso para que el grupo ocupe su lugar en las alturas del rock. En Londres, dentro de un salón en un hotel de Kensington cercano al Royal Albert Hall, y un día después de haber destapado algunas de sus entregas puestas al día, en las que queda patente la energía entre colérica y desmesurada de su banda, Page repasa y se reivindica sin complejos.
¿Se ha investido usted en el responsable del legado de Led Zeppelin? A los otros no se les ve por aquí. No sé dónde andan, no tengo ni idea de lo que están haciendo. Pero hay que tener en cuenta que yo era el productor. Más que nada porque no queríamos que las cosas acabaran en manos equivocadas. Aun así, existe material que se las ha arreglado para salir a la luz y algunas de esas versiones han resultado frustrantes.
¿Por qué? No es que tenga que ver con mi perfeccionismo, aunque soy un perfeccionista. Nunca acabo satisfecho, siempre se puede mejorar. Sobre ciertos asuntos, es mi opinión personal, creo que nunca deberían haber salido, más cuando no pertenecemos a nadie salvo a nosotros mismos.
En términos de herencia, se trata de algo muy sensible. Porque, una vez la trayectoria de un grupo termina, alguien debe ocuparse de situarlo en la historia de la música. ¿Cómo lo hace? ¿Es consciente de ello? Soy muy consciente porque existen varios ejemplos de músicos importantes de los que ya hemos olvidado el nombre, y no voy a mencionar a ninguno de ellos. Bandas muy grandes en los sesenta, con muchos seguidores, a las que nadie considera. Y no quiero ponerme pomposo con esto.
No, se trata de dar relevancia al hecho de que quizá han caído en el olvido porque nadie se ocupó de su impronta después. Sí, y no quiero que se me malinterprete. Pero el hecho es que nuestra música supimos que permanecería, lo sabíamos, siempre lo vimos así. Por eso no nos limitábamos, por ejemplo, a hacer las cosas como se imponían. No sacábamos singles al mercado, ofrecíamos un trabajo completo, un concepto, y no buscábamos esa ansiedad del público bien aprovechada por otros que les daban trozos de un todo. Eso nos diferenciaba, por ejemplo. Nos costaba mucho trabajo imponer ese estilo propio, pero lo hacíamos con tanta pasión… Si empleábamos esa entrega con respecto a nuestro talento, significaba que nos sentíamos muy responsables de lo que hiciéramos para mantenerlo perdurable y no tirarlo por la borda. Por eso creo que ampliamos los horizontes de la música en nuestro tiempo y todo el mundo se fijaba mucho en lo que hacíamos por aquella época.
¿Veía, a través de otras bandas, cuáles podían ser sus puntos débiles en ese y otros sentidos hasta el punto de que, al formar una, ya tenía muy claro qué querían hacer o no hacer? Consolidé muchas ideas en mi cabeza. Ante todo, sobre cómo no hacer las cosas. Desde lo más complejo hasta lo más básico. Cómo escribir música. Yo no sabía leer partituras, pero tuve que aprender.
Pues casi como Paco de Lucía, autodidacta total. Bueno, él era un genio. A mí me costó más. Pero fui aceptado poco a poco en ese mundo. Disfrutaba en el trabajo, querían que me quedara, que me involucrara más, y tuve que ir aprendiendo día a día. Todo tipo de técnicas y estilos: acústico, eléctrico, clásico… Aprender y aprender. Pero, aparte de eso, me interesaba mucho y mostraba mucha atención en el proceso de grabación. Imaginar cómo los sonidos que se agolpaban en mi cabeza debían grabarse para que se aproximaran a mis ideas.
¿Se guardó aquellas experiencias para practicarlas después en su propio proyecto? Iba aprendiendo sobre la marcha. Se expandía todo un mundo ante mí. Y a mí, recién entraba, se me iban filtrando maneras de trabajar, secretos que iban agregándose a mi ADN. Después empecé a tocar con The Yardbirds, me dieron esa oportunidad y ya entonces pude aportar algunas ideas. Más tarde el proyecto terminó, y para entonces yo ya tenía muy claro exactamente lo que quería.
¿Tan pronto? Había tocado en todo tipo de tugurios underground, aparte de la experiencia en el estudio o en radios, donde se tocaban no solo canciones, sino amplias partes de varios discos. Tenía experiencia tanto en directo como en lugares de grabación; sabía muy bien por dónde iría. No solo porque me había expuesto a ser escuchado, que es uno de los primeros fines que buscas cuando te dedicas a esto, una de las prioridades, sino porque ya sabía lo que conformaba una buena banda. Para lograr algo que realmente importe son cruciales los comienzos. No tirarse a buscar el éxito nada más empezar con un número uno en la lista, sino tratar de formar un grupo que suene bien y que merezca respeto.
Ha mencionado a The Yardbirds, una banda en la que coincidieron tres de los mejores guitarristas de todos los tiempos: Eric Clapton, Jeff Beck y usted. ¿Cuál fue la diferencia que quiso aplicar respecto a Led Zeppelin? En The Yardbirds buscábamos dos guitarras principales. Jeff hizo un trabajo sustancial, pero yo quería ampliar horizontes a otro tipo de sonidos de cuerda y adentrarme en terrenos más vanguardistas. Quería cambiar el panorama, dar un paso adelante con respecto a lo que se hacía y llegar a desarrollar más cosas no puestas en práctica antes por los guitarristas solistas. Quise aplicar algunas de mis ideas a ese respecto con ellos, pero antes de que fuera posible se separaron. Fue entonces cuando me sentí preparado para ofrecer una visión que el público ya comenzaba a reclamar. Algo fresco y renovado. Creo que lo conseguimos.
Para entonces tenían ustedes muy claros dos conceptos fundamentales: lo que debería ser un grupo en estudio y lo que debía ser en directo. ¿Cree que Led Zeppelin consiguió sus metas en ambas facetas? ¿Cómo lograron compaginarlo? Existían, bueno, siempre han existido, muchas bandas que reproducen exactamente lo que tocan en directo calcado del estudio. Nosotros no queríamos eso. En nuestro caso, los cuatro ya éramos músicos formados que querían desarrollarse en conjunto. No teníamos una superestrella a la que acompañar. Nuestra banda trabajaba en comunión. Desde el primer día. Primero ensayábamos, tocábamos en directo y nos metíamos en estudio. Muy concentrados, pero en vivo, muy volcados también a los cambios, las variantes, a diferenciar versiones. Nunca abandonamos esa manera de trabajar. Por eso siempre nos resultaba excitante, nos retábamos y caminábamos sobre el filo de la navaja.
Toda esa experimentación y trabajo previo, ¿le vino de su vocación científica? No, aquello no llegó a nada. Fue una pregunta que me hicieron una vez, así, de sorpresa, y que respondí con la primera cosa que se me ocurrió. Tenía 13 o 14 años, estaba muy nervioso, fue en un estudio de televisión, sin ninguna gana de que me entrevistaran y participando en un concurso en directo.
Antes de formar su grupo, lo que sí tuvo fue una librería. Esotérica. Sí.
¿Por qué la cerró? Porque empezamos a viajar mucho con el grupo, pasábamos tiempo fuera del país. Recuerdo que lo dejé cuando Robert Plant se rompió una pierna en Los Ángeles. Era la época en que estábamos grabando Presence, creo. Esa librería, además, contaba con un tipo de cliente que se creía asistido por el derecho divino a no pagar los libros.
¿Ah, sí? ¿Le robaban? Más o menos. Bueno, es así. La gente interesada en esos temas no suele tener ni un penique.
Mal negocio. Bueno… llegó a un punto en que no podía vigilarlo y andaba todo el tiempo fuera, así que decidí cerrar, ni siquiera traspasarlo.
Ya que menciona ‘Presence’, aquel disco estuvo muy influido por las drogas. Primero deberíamos hablar de los anteriores, pero, más que eso, diría que Presence se inspiraba en el concepto de intervención divina.
¿Mística? Música divina.
¿Seguía la leyenda suya basada en su entrega a las fuerzas ocultas? Bueno, defínalo como quiera. A mí, ya con más de 70 años, me da igual, soy un superviviente. No tiene que ver con ninguna categoría. La música habla por sí misma y ya está, nada que ver con mis circunstancias personales, ni con las novias que tuve, ni con mis hijos, da igual. Hablamos de cómo se manifiesta la música sobre todas las cosas; si quiere enterarse de esos otros asuntos, escuche la música, está todo dentro.
Es que lo encuentro. ¡Hombre, coño, eso espero!
Imagino que viene de todas sus experiencias personales. Sí, pero se trata de un reflejo, una declaración de lo que eres en la vida. Cambias, experimentas tragedias, felicidad, grandes momentos, todo está ahí. Se deja entrever más en quien escribe letras, que se apresta constantemente a lo autobiográfico; pero en lo que respecta a tocar la guitarra, quizá también yo me sienta muy expresivo, muy lírico. Sí. Siento que mi arte se muestra coherente con lo que soy.
¿Cree que los 10 años que duró la banda en activo le han marcado para bien y para mal toda su vida posterior? Sí, aunque soy consciente de que he podido disfrutar una existencia más allá de eso. Lo que sí ocurre es que, a tenor de lo que fue aquella experiencia, he sentido una deuda constante con esa etapa de mi vida, y por ello ahora, con estos lanzamientos y esta colección, quiero presentar algo muy digno que demuestre lo que fuimos. No soy yo quien suele hablar bien de las discográficas, pero la verdad es que en la compañía Warner lo han hecho con mucho estilo. Ha sido un trabajo muy duro en el que espero que haya predominado la decencia, la ética de emprender las cosas bien, no malgastar el legado, no echarlo a perder. Por eso me he involucrado tanto en ello, me he ocupado de que todo esté bien y quedar al mando de todo porque yo lo viví a fondo. Fui parte fundamental de su creación, lo conozco a fondo, lo hice avanzar. Me acuerdo de todo, además. Sé dónde estábamos cuando grabábamos cada canción, cómo nos encontrábamos.
¿Se ha sorprendido con algo al repasar todos estos años? Con el vínculo, con la fuerza del vínculo que nos unía. Esa búsqueda de la calidad cualesquiera que fueran las circunstancias. El hecho de que haya salido con tal contundencia proviene de aquel esfuerzo en conjunto. Con cada uno de nosotros trabajando a fondo en ello. Y eso ha dado lugar a una obra conjunta, muy potente en cuanto a su concepción intelectual y amplia. Puedo decir que no me arrepiento de lo que hicimos, no he llegado a lamentarlo artísticamente hablando. En este caso, el de la presentación de este legado, he hurgado en muchas cosas con enorme pasión. Merece la pena oírlo y pensar en esos términos.
El lamento artístico no cabe, desde luego. ¿Y en otros términos? Aquellas historias de violencia, abusos, salvajadas… ¿Son para arrepentirse? Eso no tiene nada que ver con la música.
Yo creo que sí, y que su música lo deja patente. ¿Usted cree que sí? Le diré algo. De las cosas que me han contado que se comentaban sobre nosotros, los desparrames, la violencia, no creo que ninguno de quienes formamos Led Zeppelin quisiera verse en mitad de aquellas situaciones aportando una banda sonora a las mismas. ¿Me entiende?
Sí, claro. ¿Se llevan bien? Desde luego.
¿Por qué cree que rompieron, más allá de los accidentes? Porque perdimos a John Bonham, ¿o no?
Sí, pero existen muchas bandas que, aun perdiendo a sus miembros, han seguido adelante. Nuestra creatividad se habría visto afectada. Ese instinto… Era una banda que estaba predestinada a existir, desde luego. Claramente. Sin duda. Como una profecía divina. Pero si hubiésemos perdido a cualquiera, a John Paul Jones, a Robert, a mí, no hubiésemos continuado de ninguna manera, lo sabíamos. Incorporar a alguien nos hubiese limitado mucho. No, no queríamos. Aun así, cuando nos volvimos a reunir una vez, con el hijo de John en la batería, lo hicimos con mucha dignidad, lo creo firmemente. Pudimos volver a experimentar aquella tensión positiva, aquella energía de nuestra música.
No me arrepiento de lo que hicimos con Led Zeppelin: Jimmy Page
Publicado en El País-
Por Jesús Ruiz Mantilla-
Leyenda con coleta. Precursor de la guitarra de dos mástiles, músico oscuro y esquivo, dado en su día a las drogas y al oscurantismo, marcado por la tragedia, pero responsable ante las consecuencias de su legado artístico, Jimmy Page no solo es uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, es hoy un artista reivindicativo y minucioso, perfeccionista y nada complaciente con lo que vaya a quedar de él y los suyos para la historia. Quienes prefieren creer que el rock es un arte más dado a los caprichos del destino que a la planificación meticulosa, encontrarán en Page a todo un campeón en destrozar lugares comunes. A sus 70 años, confiesa que cuando formó Led Zeppelin, el grupo que inventó el hard rock rociado de psicodelia y mostró el camino del heavy metal, lo tenía muy claro. Que no fue una improvisación, sino un proyecto meditado tras sus pasos como becario del estrellato mundial en un estudio de grabación como instrumentista de apoyo a su integración en The Yardbirds, con quien dejó su estela en la misma formación por la que también pasaron Eric Clapton y Jeff Beck. Pero su grupo debía liderar un avance más allá: hacia terrenos en los que la exploración del sonido junto a los jardines de delicias prohibidas se unían en un ámbito de culto.Conectaron con un aire de libertad desconocido, abrieron sentidos y cerraron su coto dando paso a leyendas de todo tipo: desde abusos a menores hasta palizas a granel por sus guardaespaldas; de excesos como el que llevó a la muerte a su batería, John Bonham, ahogado en su propio vómito tras una monumental borrachera, por otra parte nada poco habitual en él. Hoy Page, abuelo, exadicto, un tipo sobre el que han corrido todo tipo de leyendas turbias y que se ha colgado los laureles del éxito y la calidad de referencia, se siente especialmente responsable de un legado artístico que acaba de recopilar, con novedades en directo y remasterización de sus tres primeros discos. Espera que le sirva y dé un nuevo impulso para que el grupo ocupe su lugar en las alturas del rock. En Londres, dentro de un salón en un hotel de Kensington cercano al Royal Albert Hall, y un día después de haber destapado algunas de sus entregas puestas al día, en las que queda patente la energía entre colérica y desmesurada de su banda, Page repasa y se reivindica sin complejos.
¿Se ha investido usted en el responsable del legado de Led Zeppelin? A los otros no se les ve por aquí. No sé dónde andan, no tengo ni idea de lo que están haciendo. Pero hay que tener en cuenta que yo era el productor. Más que nada porque no queríamos que las cosas acabaran en manos equivocadas. Aun así, existe material que se las ha arreglado para salir a la luz y algunas de esas versiones han resultado frustrantes.
¿Por qué? No es que tenga que ver con mi perfeccionismo, aunque soy un perfeccionista. Nunca acabo satisfecho, siempre se puede mejorar. Sobre ciertos asuntos, es mi opinión personal, creo que nunca deberían haber salido, más cuando no pertenecemos a nadie salvo a nosotros mismos.
En términos de herencia, se trata de algo muy sensible. Porque, una vez la trayectoria de un grupo termina, alguien debe ocuparse de situarlo en la historia de la música. ¿Cómo lo hace? ¿Es consciente de ello? Soy muy consciente porque existen varios ejemplos de músicos importantes de los que ya hemos olvidado el nombre, y no voy a mencionar a ninguno de ellos. Bandas muy grandes en los sesenta, con muchos seguidores, a las que nadie considera. Y no quiero ponerme pomposo con esto.
No, se trata de dar relevancia al hecho de que quizá han caído en el olvido porque nadie se ocupó de su impronta después. Sí, y no quiero que se me malinterprete. Pero el hecho es que nuestra música supimos que permanecería, lo sabíamos, siempre lo vimos así. Por eso no nos limitábamos, por ejemplo, a hacer las cosas como se imponían. No sacábamos singles al mercado, ofrecíamos un trabajo completo, un concepto, y no buscábamos esa ansiedad del público bien aprovechada por otros que les daban trozos de un todo. Eso nos diferenciaba, por ejemplo. Nos costaba mucho trabajo imponer ese estilo propio, pero lo hacíamos con tanta pasión… Si empleábamos esa entrega con respecto a nuestro talento, significaba que nos sentíamos muy responsables de lo que hiciéramos para mantenerlo perdurable y no tirarlo por la borda. Por eso creo que ampliamos los horizontes de la música en nuestro tiempo y todo el mundo se fijaba mucho en lo que hacíamos por aquella época.
¿Veía, a través de otras bandas, cuáles podían ser sus puntos débiles en ese y otros sentidos hasta el punto de que, al formar una, ya tenía muy claro qué querían hacer o no hacer? Consolidé muchas ideas en mi cabeza. Ante todo, sobre cómo no hacer las cosas. Desde lo más complejo hasta lo más básico. Cómo escribir música. Yo no sabía leer partituras, pero tuve que aprender.
Pues casi como Paco de Lucía, autodidacta total. Bueno, él era un genio. A mí me costó más. Pero fui aceptado poco a poco en ese mundo. Disfrutaba en el trabajo, querían que me quedara, que me involucrara más, y tuve que ir aprendiendo día a día. Todo tipo de técnicas y estilos: acústico, eléctrico, clásico… Aprender y aprender. Pero, aparte de eso, me interesaba mucho y mostraba mucha atención en el proceso de grabación. Imaginar cómo los sonidos que se agolpaban en mi cabeza debían grabarse para que se aproximaran a mis ideas.
¿Se guardó aquellas experiencias para practicarlas después en su propio proyecto? Iba aprendiendo sobre la marcha. Se expandía todo un mundo ante mí. Y a mí, recién entraba, se me iban filtrando maneras de trabajar, secretos que iban agregándose a mi ADN. Después empecé a tocar con The Yardbirds, me dieron esa oportunidad y ya entonces pude aportar algunas ideas. Más tarde el proyecto terminó, y para entonces yo ya tenía muy claro exactamente lo que quería.
¿Tan pronto? Había tocado en todo tipo de tugurios underground, aparte de la experiencia en el estudio o en radios, donde se tocaban no solo canciones, sino amplias partes de varios discos. Tenía experiencia tanto en directo como en lugares de grabación; sabía muy bien por dónde iría. No solo porque me había expuesto a ser escuchado, que es uno de los primeros fines que buscas cuando te dedicas a esto, una de las prioridades, sino porque ya sabía lo que conformaba una buena banda. Para lograr algo que realmente importe son cruciales los comienzos. No tirarse a buscar el éxito nada más empezar con un número uno en la lista, sino tratar de formar un grupo que suene bien y que merezca respeto.
Ha mencionado a The Yardbirds, una banda en la que coincidieron tres de los mejores guitarristas de todos los tiempos: Eric Clapton, Jeff Beck y usted. ¿Cuál fue la diferencia que quiso aplicar respecto a Led Zeppelin? En The Yardbirds buscábamos dos guitarras principales. Jeff hizo un trabajo sustancial, pero yo quería ampliar horizontes a otro tipo de sonidos de cuerda y adentrarme en terrenos más vanguardistas. Quería cambiar el panorama, dar un paso adelante con respecto a lo que se hacía y llegar a desarrollar más cosas no puestas en práctica antes por los guitarristas solistas. Quise aplicar algunas de mis ideas a ese respecto con ellos, pero antes de que fuera posible se separaron. Fue entonces cuando me sentí preparado para ofrecer una visión que el público ya comenzaba a reclamar. Algo fresco y renovado. Creo que lo conseguimos.
Para entonces tenían ustedes muy claros dos conceptos fundamentales: lo que debería ser un grupo en estudio y lo que debía ser en directo. ¿Cree que Led Zeppelin consiguió sus metas en ambas facetas? ¿Cómo lograron compaginarlo? Existían, bueno, siempre han existido, muchas bandas que reproducen exactamente lo que tocan en directo calcado del estudio. Nosotros no queríamos eso. En nuestro caso, los cuatro ya éramos músicos formados que querían desarrollarse en conjunto. No teníamos una superestrella a la que acompañar. Nuestra banda trabajaba en comunión. Desde el primer día. Primero ensayábamos, tocábamos en directo y nos metíamos en estudio. Muy concentrados, pero en vivo, muy volcados también a los cambios, las variantes, a diferenciar versiones. Nunca abandonamos esa manera de trabajar. Por eso siempre nos resultaba excitante, nos retábamos y caminábamos sobre el filo de la navaja.
Toda esa experimentación y trabajo previo, ¿le vino de su vocación científica? No, aquello no llegó a nada. Fue una pregunta que me hicieron una vez, así, de sorpresa, y que respondí con la primera cosa que se me ocurrió. Tenía 13 o 14 años, estaba muy nervioso, fue en un estudio de televisión, sin ninguna gana de que me entrevistaran y participando en un concurso en directo.
Antes de formar su grupo, lo que sí tuvo fue una librería. Esotérica. Sí.
¿Por qué la cerró? Porque empezamos a viajar mucho con el grupo, pasábamos tiempo fuera del país. Recuerdo que lo dejé cuando Robert Plant se rompió una pierna en Los Ángeles. Era la época en que estábamos grabando Presence, creo. Esa librería, además, contaba con un tipo de cliente que se creía asistido por el derecho divino a no pagar los libros.
¿Ah, sí? ¿Le robaban? Más o menos. Bueno, es así. La gente interesada en esos temas no suele tener ni un penique.
Mal negocio. Bueno… llegó a un punto en que no podía vigilarlo y andaba todo el tiempo fuera, así que decidí cerrar, ni siquiera traspasarlo.
Ya que menciona ‘Presence’, aquel disco estuvo muy influido por las drogas. Primero deberíamos hablar de los anteriores, pero, más que eso, diría que Presence se inspiraba en el concepto de intervención divina.
¿Mística? Música divina.
¿Seguía la leyenda suya basada en su entrega a las fuerzas ocultas? Bueno, defínalo como quiera. A mí, ya con más de 70 años, me da igual, soy un superviviente. No tiene que ver con ninguna categoría. La música habla por sí misma y ya está, nada que ver con mis circunstancias personales, ni con las novias que tuve, ni con mis hijos, da igual. Hablamos de cómo se manifiesta la música sobre todas las cosas; si quiere enterarse de esos otros asuntos, escuche la música, está todo dentro.
Es que lo encuentro. ¡Hombre, coño, eso espero!
Imagino que viene de todas sus experiencias personales. Sí, pero se trata de un reflejo, una declaración de lo que eres en la vida. Cambias, experimentas tragedias, felicidad, grandes momentos, todo está ahí. Se deja entrever más en quien escribe letras, que se apresta constantemente a lo autobiográfico; pero en lo que respecta a tocar la guitarra, quizá también yo me sienta muy expresivo, muy lírico. Sí. Siento que mi arte se muestra coherente con lo que soy.
¿Cree que los 10 años que duró la banda en activo le han marcado para bien y para mal toda su vida posterior? Sí, aunque soy consciente de que he podido disfrutar una existencia más allá de eso. Lo que sí ocurre es que, a tenor de lo que fue aquella experiencia, he sentido una deuda constante con esa etapa de mi vida, y por ello ahora, con estos lanzamientos y esta colección, quiero presentar algo muy digno que demuestre lo que fuimos. No soy yo quien suele hablar bien de las discográficas, pero la verdad es que en la compañía Warner lo han hecho con mucho estilo. Ha sido un trabajo muy duro en el que espero que haya predominado la decencia, la ética de emprender las cosas bien, no malgastar el legado, no echarlo a perder. Por eso me he involucrado tanto en ello, me he ocupado de que todo esté bien y quedar al mando de todo porque yo lo viví a fondo. Fui parte fundamental de su creación, lo conozco a fondo, lo hice avanzar. Me acuerdo de todo, además. Sé dónde estábamos cuando grabábamos cada canción, cómo nos encontrábamos.
¿Se ha sorprendido con algo al repasar todos estos años? Con el vínculo, con la fuerza del vínculo que nos unía. Esa búsqueda de la calidad cualesquiera que fueran las circunstancias. El hecho de que haya salido con tal contundencia proviene de aquel esfuerzo en conjunto. Con cada uno de nosotros trabajando a fondo en ello. Y eso ha dado lugar a una obra conjunta, muy potente en cuanto a su concepción intelectual y amplia. Puedo decir que no me arrepiento de lo que hicimos, no he llegado a lamentarlo artísticamente hablando. En este caso, el de la presentación de este legado, he hurgado en muchas cosas con enorme pasión. Merece la pena oírlo y pensar en esos términos.
El lamento artístico no cabe, desde luego. ¿Y en otros términos? Aquellas historias de violencia, abusos, salvajadas… ¿Son para arrepentirse? Eso no tiene nada que ver con la música.
Yo creo que sí, y que su música lo deja patente. ¿Usted cree que sí? Le diré algo. De las cosas que me han contado que se comentaban sobre nosotros, los desparrames, la violencia, no creo que ninguno de quienes formamos Led Zeppelin quisiera verse en mitad de aquellas situaciones aportando una banda sonora a las mismas. ¿Me entiende?
Sí, claro. ¿Se llevan bien? Desde luego.
¿Por qué cree que rompieron, más allá de los accidentes? Porque perdimos a John Bonham, ¿o no?
Sí, pero existen muchas bandas que, aun perdiendo a sus miembros, han seguido adelante. Nuestra creatividad se habría visto afectada. Ese instinto… Era una banda que estaba predestinada a existir, desde luego. Claramente. Sin duda. Como una profecía divina. Pero si hubiésemos perdido a cualquiera, a John Paul Jones, a Robert, a mí, no hubiésemos continuado de ninguna manera, lo sabíamos. Incorporar a alguien nos hubiese limitado mucho. No, no queríamos. Aun así, cuando nos volvimos a reunir una vez, con el hijo de John en la batería, lo hicimos con mucha dignidad, lo creo firmemente. Pudimos volver a experimentar aquella tensión positiva, aquella energía de nuestra música.
Letrinas
Music In a Coma
Música
Relatos
Music In a Coma-
Por Iván Carrillo-
Ocho en punto de la mañana en 13 de Octubre, ya despierto y bañado, listo para abordar el bus que me dejaría a las once de la mañana en Viaducto Piedad y Río Churubusco de la vieja ciudad de hierro. Ya en el asiento 39 del autobús llega ese triste momento cuando todos los lugares están ocupados y ves subir a una pareja y al clásico gordito chistoso mal tercio. Yo, solo, pues toco en una banda de rock medio darkie, por lo tanto, los pocos amigos que tengo son bien puristas, de esos que te argumentan que es bien hipster este festival. Y sí, tienen razón.
Nomás a Jake Bugg
Music In a Coma-
Por Iván Carrillo-
Ocho en punto de la mañana en 13 de Octubre, ya despierto y bañado, listo para abordar el bus que me dejaría a las once de la mañana en Viaducto Piedad y Río Churubusco de la vieja ciudad de hierro. Ya en el asiento 39 del autobús llega ese triste momento cuando todos los lugares están ocupados y ves subir a una pareja y al clásico gordito chistoso mal tercio. Yo, solo, pues toco en una banda de rock medio darkie, por lo tanto, los pocos amigos que tengo son bien puristas, de esos que te argumentan que es bien hipster este festival. Y sí, tienen razón.
Era evidente que tendría que
soportar al gordito un par de horas, por suerte yo iba bien equipado con toda
la discografía del Joaquín Sabina, los audífonos y el “Narraciones
Extraordinarias” de Poe. Combinación poco fiable ¿Sabina? ¿Allan Poe? ¿Corona
Capital? Lo más usado para el camino seguramente era Daft Punk con Palahniuk o
Murakami, pero en fin, era lo que me apetecía y en realidad no me interesaba ponerme a tono o calentar motores para el Corona. ¿Por qué? La pregunta con la que
intentaría romper el hielo mi camarada –no deseado- de bus respondería todo.
Bueno, para describirlo basta
decir que portaba con orgullo su playera blanca de los Beatles, lo cual no es malo,
pero uno se da cuenta e imagina que para rocanrolear, en su closet sólo tiene
esta prenda y una de los Doors, lo demás son camisas a rayas o lisas para
combinar bien con esas corbatas que apestan a oficina. Y rompió el silencio con
un “¿Qué onda carnal, se pondrá chingona la tocada, verdá? ¿Tú a quién vas a
ver?” tenía en mente tantas respuestas, “¿Tocada? Tocadas las que se organizan
en el lugar de donde salió el camión” -foro muy conocido en Puebla que intenta
emular el nombre del clásico Rockotitlan-, donde al parecer las tocadas ya no son redituables y ahora
deben organizar viajes a conciertos para sobrevivir, no los culpo -así esta la
escena musical en todo Puebla-. En fin, siempre he sido un güey retraído e introvertido, por lo tanto, no era de mi interés
hacer la platica o pegarme con alguien, así que me limité a responder “Nomás a
Jake Bugg” al mismo tiempo que llevé mis audífonos a las orejas y el play en el reproductor. Creo que
entendió rápidamente que yo no quería platicar y no molestó mas, sin embargo,
aproximadamente una hora después se le ocurrió ofrecerme una galleta -sí, sí,
las reglas de cortesía y todo eso, pero ¡¿una puta galleta?!- ¿A quién se le
ocurre? A esa hora yo moría por una cerveza, una de esas de cristal verde y
estrella roja que ahora encuentras en cualquier esquina. Pero no, se le ocurrió
ofrecerme una pinche galleta, no sé, seguro pensó que me haría falta la energía
del chocolate o que no había desayunado en casa y quiso apiadarse de mi notable
figura de vampiro crudo. Me limité a rechazarla y me introduje de nuevo al
mundo del Corazón Delator.
El bus se detuvo y abrió sus
puertas, estábamos sobre Río Churubusco a unas pocas calles de la entrada del Autódromo,
en cuanto pude me separé del grupo del camión y tomé camino al ya conocido pre-copeo
de las tienditas frente a la Puerta 5, que para mí no tienen tan buena fama
pues la última vez que bebí ahí antes de un concierto terminé tirado de
borracho antes de que sonaran los primeros acordes de Killing an arab con la voz de
Rober’ de Pinho Smith. Pero esta vez no pasaría, pues para mi infortunio
Jake Bugg era el segundo en la lista del escenario Capital, tocaría solo 40
minutos y empezaría pronto, así que me receté tres latas de Modelaje Especial que tuve que tomar
rápido y en dos tragos cada una, pues como es costumbre, cada veinte o treinta
minutos llegan los puercos a
desalojar para que no se junten muchos culeros y se les arme algún
desmadre.
Había llegado el momento de
caminar para llegar al concierto, a pesar de ser un camino largo no se hace tan
pesado gracias a los non-official
merchandise stands donde pude echar el ojo a una playerita de los Editors
que desafortunadamente no encontré al regreso. Por fin llegué a los escenarios,
proceso de seguridad mediante y al pasar al lado de la carpa de mercancía
oficial me brillaron los ojos por la playera del Jake, pero como buen mamón
decidí comprarla después de que tocara, yo que soy un gran fan, me puse fresa y
seguro pensé alguna jalada como “a ver si me convence su show” o algo así.
Me encaminé al escenario Capital
y ya tocaban las Deap Vally, un par de rockeras güeritas y guapetonas igual de
sabrosas que la inmensa mayoría de las asistentes al festival -con las que había
tenido la chance de echarme un taco de ojo a lo largo de la travesía-. La
música de estas californianas no me convenció, así que –como no había
desayunado, como bien supuso el gordo del camión- fui por una hamburguesa y una
corona doble bien fría -y bien pinche cara también-, la hamburguer supo a gloria, pues tenía como 18 horas sin ingerir
alimento alguno. Regresé al escenario con chela en mano; ya se habían ido las
Deap Vally y probaban la ES-390 de Jake en un amplificador Fender a bulbos
-puro lujo con los ingleses-. Poco a poco se empezaba a llenar la explanada así
que di un buen trago y fui casi corriendo por otra doble, antes de que Jake
Bugg tomara el escenario. A pesar del sol apendejador logré situarme más o
menos en el mismo lugar, donde todo se veía poca madre y en el escenario
finalizaban la prueba con una Gibson L-1, esa guitarra que trae todo el sonido
del Delta Blues de Robert Johnson y que me puso a soñar con que abriría el
concierto con “Fire”, rolita que cierra el primer disco de Jake y que según
cuenta, fue grabada únicamente con un iPhone.
Dos cuarenta y cinco de la tarde, me sorprendía la puntualidad con la que contaba el festival por que el de
Clifton y su súper banda, ya pisaban el Capital, toda la gente gritaba y se
emocionaba -yo no era la excepción-. Jake Bugg tomó la L-1, con un acorde en
Mi Mayor empezaba mi canción favorita del joven de 19 años, “Trouble Town” y
toda la gente coreó con un estruendoso canto 'Stuck in speed bump city where the only thing that's
pretty is the thought
of getting out'; la raza (?) cantó tan fuerte que fue casi
imperceptible el ligero error del ingeniero de audio.
Inmediatamente después del Hello Mexico tomó su guitarra Patrick
Eggle de caoba sólida que un laudero hizo para él –única en
el mundo- y atacó al Corona Capital con “Seen it all” con una letra que
coquetea con Morrissey -así como Jake con Johnny Marr- sobre gánsters, fiestas y
navajas. La perfecta ejecución musical de la banda nos hizo pensar que al
finalizar la presentación de Bugg habríamos visto todo el festival.
Y así, una tras otra al más puro
estilo de Bob Dylan, Bugg siguió tocando sin decir nada “Simple as this” y “Ballad of Mr. Jones”, pero
el verdadero momento de catarsis con el público llegó en “Broken”; la única
canción donde la banda descansa y él empieza con un arpegio triste; yo estaba
borracho y cualquiera en mi posición seguramente hubiera levantado su teléfono para marcar a su ex novia, pero no yo. Yo no podía perder el tiempo de esa manera,
seguramente pasará mucho para que Jake vuelva a pisar tierras aztecas y no
podía darme el lujo de dejar de cantar o de no poner atención, además, ella
seguro ni lo agradecería.
Pasaron canciones donde
demuestra que su nuevo disco -producido por Rick Rubin- es un verdadero
coctel molotov con rolas como “Me and You”, “Slumville Sunrise” o “What Doesn’t Kill You”. Todas se
intercalaban con el ‘Olé, olé, olé, olé
Jake Bugg, Jake Bugg’, mientras unas morritas a un lado se burlaban de mi acervo musical
diciéndome “hasta esas rolas te sabes”. Llegó el momento que todos temíamos,
tomó su telecaster del 52 y todos supimos que este idilio entre Jake Bugg y
México terminaba, entonó “Lighting Bolt” junto a los cientos de seguidores que
se dieron cita ahí. Todo acabó.
Obviamente me quedaría a ver a
los Arctic Monkeys y al maestro Moroder, pero antes de eso comí otra
hamburguesa, otra doble Corona -doblemente cara- y recordé la cita pendiente
con mi playera oficial de Jake Bugg, esto lo lamenté de sobremanera, pues sólo quedaban tallas
extra grandes –lo que me hizo recordar a mi gordo compañero de autobús, quizá a
él sí le quedaría-. Sin duda alguna, el show sirvió para que más banda
conociera a Jake Bugg –lo cual me hace feliz-, pero no mames ¿por qué se
llevaron todas las playeras?, faltaba la mía. Tuve que conformarme con una no oficial
de las tienditas de afuera, una más de los Smiths que luego regalaría a una morra -la más sorprendente que he conocido últimamente-, otra doble corona y
bueno, Alex Turner, él también es otro
pedo.
Entrevistas
Groovy
Música
Telemetría
Entrevista con el cantautor poblano Carlos Arellano, ícono del rock mexicano y del movimiento rupestre, 30 años después de haber iniciado su carrera musical.
Telemetría: Entrevista con Carlos Arellano
Entrevista con el cantautor poblano Carlos Arellano, ícono del rock mexicano y del movimiento rupestre, 30 años después de haber iniciado su carrera musical.
"De poca madre que hayas venido con rolas frescas para el festín"
Zombra 0
C. Arellano
Groovy
Música
Notas
A mitad de año, nuevo disco de Morrissey
True-To-You, sitio cercano -casi-oficial- de Morrissey, ex integrante de The Smiths, comunicó hace pocos días de la próxima salida -entre junio y julio- del tan esperado nuevo trabajo que llevará por nombre “World Peace Is None of Your Business".
Se adelantó que este disco tendrá doce canciones y está trabajado en Francia de la mano del productor Joe Chiccarelli, conocido por producir materiales con artistas de la talla de Elton John, The Killers, U2 y Beck, cabe mencionar que Chiccarelli ha tenido la fortuna -o desgracia- de trabajar también con material nacional como Café Tacuba o Julieta Venegas.
Desde 2009 Morrissey no ha entregado nuevo material, el último fue su exitoso “Years of Refusal” que promocionó en México en 2011 y después solo falsas alarmas de su presencia en tierras aztecas; esperamos que este nuevo material sirva para tenerlo de visita.
Sin más por ahora, les dejamos en órbita este “Satélite del Amor” interpretado por el vegano inglés en homenaje al gran Lou Reed en la entrega de los Premios Nobel 2013.
Letrinas
Music In a Coma
Música
Que no te hagan bruto estos putos
Music in a coma-
Por Iván Carrillo.
Por Iván Carrillo.
Hace tiempo, más morro, recuerdo que rondando los nueve o diez años, junto a mi jefe y su eterna solidaridad izquierdosa, asistí a una fiesta de trabajadores de la vocho o alguna otra fábrica de autopartes de cuyo nombre no puedo acordarme, con workingclassheroes en la colonia Tepeyac, famosísima por estos lares poblanos. Nos chingamos unos mixiotitos con su respectivo arroz y mi padre procedió con una cervecita; de tener un par de años más seguramente también le hubiera entrado, pero no era la ocasión, total que después de unas cuatro o cinco soles de media, mi viejo dejó de cuidarme y tuve la libertad de empezar a fisgonear en la vecindad.
Después de armar un par de desmadritos por el lugar, me estremeció un fenómeno físico-sensorial-enigmático donde todo a mi alrededor estaba bloqueado y mis sentidos no lograban percibir nada, excepto una grabadora Sony de casetes que a través de sus defectuosos altavoces escupía un “… para que nadie se quede sin chingar, para que todos chinguemos igual, chingo yo, chingas tú, chinga tu madre.” Me acerqué en chinga al reproductor y apañé de inmediato la caja del casete que en la portada mostraba las piernitas de una escolapia de secundaria general con las braguitas a medio bajar y junto un cuadrito que pasó desapercibido en aquel momento y que, entre otras cosas dibujaba en letras altas “ADVERTENCIA”. Por supuesto mi padre y sus colaboradores acabaron hasta el huevo, mientras yo repetía una y otra vez el casete, alguno de ellos se dio cuenta de mi fascinación por estas rolas y tuvo a bien obsequiarme este tesoro del rock. De regreso a casa tomé por asalto el autoestéreo Mitzu que mi jefe había instalado unas semanas antes en su vochito color verde avispón y sin pedir permiso ensarté el pedazo de plástico.
Era un escuincle caguengue y baboso pero esa era ya mi primera vez. Mi primera aproximación consciente al rock mexicano. En honor a la verdad, debo confesar que mi jefe me había presentado ya algunas tonadas del Real de Catorce, el Rockdrigo o los Caifanes, y seguramente yo hasta las bailaba mientras servía tragos a mis tíos en alguna de las tantas pedas familiares que sucedían en mi casa, pero los Molotov habían creado en mí una revelación o mejor dicho, una revolución. Y así pasé un buen rato, queriendo rocanrolear con los grandes. Recuerdo a mi tío el “Pollo” cargándome en hombros para entrar a un concierto de los molochos en algún recinto bravo cercano a la CAPU o al “Flaco” comprándome una Pepsi en otro recital de estos en un rodeo de Cholula mientras yo cantaba “Puto” a todo pulmón.
Es evidente que estos cuatro culeros fueron la voz de una generación y que tuvieron los huevos de decir “Gimmethepower”, aconsejar “Que no te haga bobo, Jacobo” y mentarle la madre a los gringos puñeteros, además de realizar exorcismos sin olvidar que estás en tu casa tan triste y tan sola y que el mundo se va a acabar. Todavía pataleaban cuando presentaron el “Con todo respeto”, producción de covers que, si bien apuntaba que habían perdido un poco de imaginación, les alcanzó para hacer un disco bien logrado. Después nos llegaron con la mamada de su separación y el “Eternamiente” y fue ahí cuando supimos que todo había valido madres, todos vestiditos de Adidas tocando en foros fresas o en festivales mamones, y se la han ido campechaneando sacando discos en vivo o su documental. No se dejan morir.
Es bien sabido que estos cabrones son unos juniors fresones; con el hecho de saber que Jay de la Cueva fue de los primeros integrantes de esta banda nos podemos dar una idea de su círculo social, aunque ese no es un tema en el que deba profundizar mucho. Qué hueva.
Aquí está el gran pedo. Hace un par de semanas anunciaron que el 29 de Abril será lanzado su nuevo álbum de estudio y además tuvieron el valor de presentar su primer sencillo “Ánimo delincuencia” que no nos da nada nuevo. Musicalmente presenta unos riffs de guitarra que no parecen tener forma o intentar llegar a algún lado, línea de batería bien marcada y juego de bajo -algo que les conocemos desde el “Dónde jugarán las niñas”-, y el mismo discurso de siempre. Encontramos expresiones tan risibles como “…Si las balas tuvieran ojos, verían perfectamente el desmadre insensato, que impacta a la gente…” ¿las balas? ¿ojos? ¡Qué pedo! Y por si fuera poco presentaron de lado B una rola llamada “La Verga” que trae la misma fórmula que les ha funcionado, mentar madres y polemizar con groserías. Lo que no se han dado cuenta es que los tiempos están cambiando y ya no sorprenden a nadie con un “… estás que te lleva la verga, ni tú ni nadie, podrán detenerla…”.
Es difícil descifrar cómo va a estar el nuevo disco, evidentemente con una producción de miles de pesos, los mejores instrumentos y los más caros ingenieros, pero, según lo mostrado en las rolas de adelanto, pocas ideas y ninguna novedad. Habrá que esperar. Seguramente este texto ustedes -los más fervientes fans- se lo pasan por los huevos, pero alguien tiene que decirlo y eso que soy de esos que piensan que los nuevos discos siempre son más chingones.
Hace unos días los tuvimos en Puebla, en el ya clásico Corona MusicFest, junto a los Ángeles Azules, Zurdok y otros, seguramente ustedes al igual que yo, se tuvieron que embrutecer y soportar las rolas nuevas sólo para cantar “Chinga tu madre”, qué le hacemos.
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